jueves, 13 de diciembre de 2012

RAVI SHANKAR - Gat kirwani (1964)


El 11 de Diciembre de 2012, el mundo de la música ha sufrido una enorme e irreparable pérdida, con la partida de uno de los más grandes exponentes de la música tradicional de la India y del Sitar, uno de los instrumentos musicales de cuerda más representativos de ese país.  Nos estamos refiriendo al "Pandit" ("Maestro", en sánscrito) Ravi Shankar.

Nacido con el nombre original de Robindro Shaunkor Chowdhury el 7 de Abril de 1920 en Varanasi, India, la carrera artística de Ravi Shankar comenzó como parte del grupo de danza liderado por su hermano Uday Shankar.  Fue recién en 1938, que Ravi (nombre que en sánscrito significa "Sol") empezó a dedicarse a la ejecución del Sitar, bajo la tutela de Allauddin Khan, con quien estudió hasta 1944, aprendiendo diversos ragas (modos melódicos usados en la música tradicional india), y especializándose en estilos musicales como el Dhrupad, el Dhamar y el Khyal.  Fue recién en 1939, que Shankar hizo su primera presentación junto con Ali Akbar Khan, hijo de su maestro Allauddin Khan, para luego unirse a la Indian People's Theatre Association, institución para la que hizo sus primeras composiciones propias.

Más tarde, luego de desempeñarse como Director Musical de All India Radio (AIR), Shankar fundó la Indian National Orchestra, con la que continuó su carrera como compositor, grabando en 1937 su primer disco, titulado "The Original Uday Shankar Company Of Hindu Musicians, Recorded During The Historic 1937 Visit To The United States".  Desde entonces, la figura del Pandit Ravi Shankar se fue consolidando como una de las máximas figuras de la música tradicional de la India, con más 50 discos editados en total, que lo llevaron a ser honrado en 1999 con el premio Bharat Ratna (el máximo galardón civil de su país), además de ganar 3 Grammy Awards, y ser nombrado miembro de la Cámara Alta del Parlamento Indio.

Otro de los momentos importantes en la vida de Shankar ocurrió en 1966, cuando el maestro conoció a George Harrison, guitarrista de The Beatles, quien visitó la India para estudiar sitar con él durante seis semanas, período que quedó inmortalizado en el documental "Raga: A Film Journey To The Soul Of India", dirigido por Howard Worth y que fue estrenado en 1971.  La influencia de Shankar en Harrison quedaría plasmada para siempre en la canción "Within you without you", compuesta por el guitarrista británico e incluída en el memorable álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles, lanzado en 1967, y por el que el cuarteto de Liverpool obtuvo el Grammy Award por Disco del Año.

Ravi Shankar tuvo 3 hijos: Shubhendra Shankar (nacido en 1942, fruto de su relación con Annapurna Devi, hija de Allauddin Khan), Norah Jones (nacida en 1979, cuya madre es la productora estadounidense Sue Jones) y Anoushka Shankar (nacida en 1981, siendo hija del maestro y Sukanya Rajan).  Los 3 han tenido también carreras sobresalientes en la música, que reseñaremos en el futuro.  Ravi Shankar falleció hace dos días en San Diego, California, por problemas respiratorios a la edad de 92 años.  Hoy queremos rendirle un homenaje póstumo con el tema "Gat kirwani", perteneciente al disco "Portrait Of A Genius", publicado por World Pacific Records en 1964.  Descanse en paz, Pandit, y gracias por la buena música que nos deja, y por la que el mundo lo recordará siempre.




domingo, 9 de diciembre de 2012

ANNIE LENNOX - Why (1992)


Dueña de una prodigiosa voz, Ann "Annie" Lennox, nacida un 25 de Diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia, ha desarrollado a lo largo de los años una fructífera carrera musical, la misma que se inició en la banda The Tourists, para luego, junto a su entonces pareja el inglés David Allan "Dave" Stewart, dar vida en 1980 a Eurythmics.  Durante una etapa de separación de aquel proyecto musical, Annie Lennox decidió apostar por una carrera como solista, en la que nos enfocamos en este post.

El primer álbum en solitario de Lennox fue "Diva", editado por RCA/Arista Records en Abril de 1992, bajo la producción musical de Steve Lipson, y que fue un éxito rotundo en ventas, obteniendo sendos Discos de Platino en el Reino Unido, Canadá, Suecia y los Estados Unidos, aparte de liderar el UK Albums Chart y de ganar 2 Brit Awards (a Mejor Disco Británico y Mejor Artista Femenina Británica) y 1 Grammy Award (a Mejor Vídeo Musical en Formato Largo).

Uno de los puntos más sobresaliente del "Diva" es la canción que abre el disco, "Why", escrita por la propia cantante, que fue #1 del Italian Singles Chart y #5 del UK Singles Chart.  El vídeoclip de este tema, dirigido por la también británica Sophie Muller, ganó el premio a Mejor Vídeo Femenino en la edición '92 del MTV Vídeo Music Awards.

El resto de la trayectoria musical de Lennox como solista se completa con los álbumes "Medusa" (RCA, 1995), "Bare" (RCA, 2003), "Songs Of Mass Destruction" (RCA, 2007) y "A Christmas Cornucopia" (Island Records, 2010), a los que se suma el recopilatorio "The Annie Lennox Collection" (RCA, 2009).

A nivel personal, esta artista han estado casada en 3 oportunidades: inicialmente con el alemán Radha Raman (entre 1984 y 1985), luego con el israelí Uni Fruchtmann (entre 1998 y 2000), con quien tiene 2 hijas llamadas Lola y Tali, y finalmente con el sudafricano Mitch Besser (desde Setiembre de 2012).  Los invitamos pues a disfrutar de esta gran voz del Pop actual. 




sábado, 8 de diciembre de 2012

LOS IMPOSTORS - Affliction (2010)


Indie Rock, Pop y Electrónica son las aristas musicales de la propuesta de Los Impostors, un dúo de Guadalajara, México, que hace poco acabamos de conocer y que nos ha cautivado gratamente.  Por eso, les rendimos el post del sábado hoy en El Viaje Sónico.

En Abril del 2009, los multi-instrumentistas Álvaro Arce y Raúl "Picho" Torres decidieron fundar la banda, con la idea primaria de un quinteto, para lo cuál convocaron a otros músicos.  Sin embargo, al momento de comenzar los ensayos, solo ellos se presentaban, con los demás faltando constantemente.  Al sentir que ello los estaba frenando, Arce y Torres decidieron continuar como un dúo, aprovechando el hecho de que ambos eran capaces de ejecutar diversos instrumentos.

De esta manera, Los Impostors comenzaron a dar forma a su propuesta sonora, en la cuál ambos miembros se turnan en las diferentes funciones.  Álvaro Arce es graduado en Producción Musical en la prestigiosa Berklee College of Music de Boston, Estados Unidos, habiendo trabajo previamente con otros proyectos como Azul Violeta, Radaid o Sussie 4.  Por su parte, Torres tampoco ha sido ajeno a la escena musical de Guadalajara.  Con estudios en la Universidad de Guadalajara, ha sido parte también de Azul Violeta, Sussie 4 y Nopal Beat, además de dedicarse a la docencia musical en el Instituto Tecnológico de Monterrey y en el Centro de Artes Visuales de su país.

Los Impostors se han presentado en sociedad con el altamente recomendable disco "Somos Duques", editado por el sello ShockingWatts en 2010.  Una peculiaridad de este trabajo, publicado también en formato de DVD, es que se grabó en 2 tomas, a manera de "live to track", es decir, prácticamente "en vivo".  Les presentamos en esta ocasión el tema "Affliction", que forma parte de aquellas sesiones de grabación, que además fueron registradas en vídeo HD y audio 5.1.  La cadena musical de cable Concert Channel ha incluído esta performance completa dentro de su programación, en la cual se puede apreciar la destreza instrumental de Arce y Torres, quienes han compartido escenarios con otros actos electrónicos como los británicos U.N.K.L.E. o los franceses Justice, habiéndose presentado el año pasado en el festival independiente South by Southwest, realizado todos los años en Austin, Texas.  Para más información sobre Los Impostors, visiten sus páginas en Facebook o MySpace.  Saludos a todos!




viernes, 7 de diciembre de 2012

DISSIDENTEN - Telephone arab (1986)


Fundado en la India en 1981, bajo el nombre inicial de Embryo's Dissidenten, y catalogados por la prestigiosa revista Rolling Stone como "Padrinos del World-Beat", este grupo tuvo como miembros iniciales a Friedemann "Friedo" Josch (vientos/teclados), Uwe "Uve" Muellrich (voz/bajo/oud/guitarra) y Michael Wehmeyer (teclados/piano).  Ese mismo año, Marlon Klein (voz/batería/percusión/teclados) reemplazó a Wehmeyer, y la banda simplificó su nombre por Dissidenten, creando además en Berlín su propio sello discográfico, Exil Musik.

Influenciados por la música India, Africana y del Medio Este, el grupo publicó su primer disco, "Germanistan" en 1982, en el que colaboraron también la cantante R.A. Ramamani y el percusionista Ramesh Shotham, ambos músicos indios, a los que sumaron el pianista Louis Banks y el saxofonista Charlie Mariano en sus presentaciones en vivo.  Tras mudarse a Tangier, Marruecos, Dissidenten editó "Sahara Elektrik" (Exil Musik, 1984), en el que destacó el tema "Fata Morgana".

"Live At The Pyramids" (Exil Musik, 1986), sería su tercera entrega en estudio, la misma que fue grabada en Madrid (España) y Casablanca (Marruecos), con sonidos que combinaban el Synth-Pop, Folk, y World Music.  Este álbum estuvo conformado por 9 canciones, entre las que destacan, "Mata Hari", "Blue Nile", "Do the pharaoo", "Berlin beduins" y "Telephone arab", track que compartimos con ustedes hoy, con una marcada influencia de la música árabe, india y marroquí, y que se convirtió en un hit en el mundo árabe gracias a una versión interpretada por el egipcio Mohammed Mounir, lo que dió a Dissidenten mayor difusión a nivel internacional.

Esta agrupación se mantiene en actividad hasta el día de hoy, habiendo publicado en total 18 discos, casi todos con su propio sello discográfico, siendo los más recientes "Tanger Sessions" (2008) y "Tanger Sessiones Remix" (2010).  Para más información sobre Dissidenten, les sugerimos visitar su página web oficial.




jueves, 6 de diciembre de 2012

30 SECONDS TO MARS - From yesterday (2005)


30 Seconds to Mars es una banda de Alternative/Hard Rock fundada en 1998 en Los Angeles, California por el actor Jared Leto (voz/guitarra/teclados) y su hermano mayor Shannon Leto (batería).  Según ellos mismos declararon, el nombre surgió de una conversación acerca del desarrollo actual de la tecnología, y del rol del ser humano en ese desarrollo.  El line-up de la banda se completó en 2001 con el ingreso de Matt Wachter (bajo/teclados), Solon Bixler (guitarra/coros) y Kevin Drake (guitarra).

El disco debut homónimo del grupo se publicó en Agosto de 2002, por los sellos Inmortal y Virgin Records, bajo la co-producción de Bob Ezrin y Brian Virtue, llegando al #1 del US Billboard Top Heatseekers Chart y al #2 del UK Rock Albums Chart, con más de 2 millones de copias vendidas a nivel mundial, destacando en él canciones como "Capricorn (A brand new name)", "Oblivion", "93 million miles", "Year zero" y "Buddha for Mary".

Tres años más tarde, y con las mismas compañías discográficas de su primer trabajo, los 30 Seconds to Mars lanzaron "A Beautiful Lie", su segundo álbum, producido por Josh Abraham.  Para entonces, los guitarristas Solon Bixler y Kevin Drake ya habían dejado al grupo, siendo reemplazados por Tomislav "Tomo" Miličević, encargado también de los teclados, programaciones y violín.  El sonido de este disco se diferenciaba  un poco del anterior, con Jared Leto cantando de manera más agresiva, por lo que muchos los empezaron a relacionar con el género musical denominado Emo.  "A Beautiful Lie" vendió más del doble de copias que el primer disco del grupo, siendo #1 en los charts de Canadá y Sudáfrica.

En esta ocasión, posteamos el vídeoclip del tema "From yesterday", que fue el tercer sencillo de promoción del álbum (después de "Attack" y "The kill"), cuya guión y propuesta estética, a manera de cortometraje, rinde homenaje a la aclamada película "The Last Emperor", dirigida en 1987 por el italiano Bernardo Bertolucci, que narra la vida del Emperador chino Puyi.  En esta canción, que fue #1 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard, colaboró además Oliver Goldstein en los sintetizadores.




martes, 4 de diciembre de 2012

O.M.D. - Pandora's box (1991)


La vez anterior que posteamos un tema de los británicos O.M.D. (reseña que pueden leer aquí), cubrimos los inicios de su historia hasta su casi desaparición en 1989.  Para entonces, la banda tuvo un cisma bastante profundo: primero, el trombonista Graham Weir y el trompetista Neil Weir dejaron al grupo, seguidos por el co-fundador Paul Humphreys, el tecladista Martin Cooper y el baterista Malcolm Holmes, quienes en 1990 fundaron una nueva agrupación llamada The Listening Pool, dejando prácticamente solo a Andy McCluskey, el otro co-fundador de O.M.D., quien se mantuvo al frente del grupo.

Fue así que McCluskey, con la colaboración de los músicos Stuart Kershaw y Lloyd Massett, y con la co-producción de Howard Gray y Andy Richards publicó en 1991 el octavo disco de O.M.D., "Sugar Tax", con el sello Virgin Records.  A pesar de ser prácticamente un disco solista de McCluskey, este trabajo fue muy bien recibido a nivel mundial, ocupando el puesto #3 del UK Albums Chart, conteniendo excelentes canciones entre las que podemos mencionar a "Sailing on the seven seas", "Speed of light", "Call my name", "Neon lights" (un cover de los alemanes Kraftwerk), "All that glitters" o "Apollo XI" (canción instrumental con samples de un discurso de John F. Kennedy).

Nuestra canción favorita del "Sugar Tax" es "Pandora's box", que fue el segundo sencillo del mencionado álbum.  Este tema estuvo inspirado en la carrera de la actriz estadounidense Louise Brooks (1906-1985), muy popular en las épocas del cine mudo.  Justamente, el título de la canción hace referencia al nombre de la película protagonizada por Brooks en 1928, dirigida por el austríaco Georg Wilhelm Pabst, cuyas escenas se incluyen en el vídeoclip que pueden ver a continuación.  Volviendo a la canción, diremos que llegó al lugar #7 del UK Singles Chart, así como al #11 del US Hot Dance Club Play Charts de Billboard.

Andy McCluskey lanzaría 2 álbumes más, siempre con Virgin Records, como único líder de O.M.D.: "Liberator" (1993) y "Universal" (1996), hasta que en 2005, Paul Humphreys, Martin Cooper y Malcolm Holmes aceptaron regresar a la banda, que continúa junta hasta la fecha, siendo su más reciente lanzamiento el disco "History Of Modern" (100% Records, 2010). 




lunes, 3 de diciembre de 2012

LA DAMA SE ESCONDE - Princesa (1989)


Seguimos repasando buena música del recuerdo en el blog.  Hoy es el turno de un dúo proveniente de San Sebastián, España, cuya trayectoria musical se desarrolló entre los años 1985 y 1995: La Dama Se Esconde.

Los antecedentes de este grupo se hayan en otra banda vasca de comienzos de la década de los 80's, llamada Agrimensor K, conformada por Nacho F. Goberna (voz/guitarra), Ignacio Valencia (bajo) y José Manuel Gandasegui, quienes llegaron a editar 2 discos con el sello Discos Radiactivos Organizados (DRO), "Principio y Fin" (1982) y "¿Juegas Al Escondite?" (1983).  Recordemos que este sello era propiedad de Servando Carballar, cabeza de El Aviador Dro y sus Obreros Especializados, otro gran grupo español que ya hemos reseñado en el blog.

Tras la disolución de Agrimensor K, Goberna y Valencia decidieron fundar La Dama Se Esconde y mudarse a Madrid, dándole un sonido centrado en el Pop Rock, con letras inspiradas en las obras del escritor inglés J.R.R. Tolkien.  En 1985, el grupo publica su primer EP titulado "Avestruces", producido por Paco Trinidad, que sirvió como base para el primer álbum de la banda, "Armarios Y Camas", producido en 1986 por el propio Nacho Goberna para el sello Grabaciones Accidentales (GASA).

Ya como parte del catálogo de artista de Warner Records, sello con el continuarían hasta el fin de su carrera, La Dama Se Esconde publicó los discos "La Tierra De Los Sueños" (1987), "Coge El Viento" (1989), "Lejos Del Puerto" (1990), "De Colores, Tu Color" (1992) y "Hoy" (1993).  En esta ocasión, publicamos el vídeoclip del tema "Princesa", perteneciente al álbum "Coge El Viento".

Como ya comentamos, LDSE se desintegró en 1995, tras grabar una última canción llamada "A años luz", que recién se editó en 1999, en un disco recopilatorio llamado "Lo Mejor De La Dama Se Esconde", editado por Warner.  Nacho F. Goberna continuó su carrera como solista, llegando a lanzar 2 discos ("Transparente" y "Un Bosque De Té Verde").




sábado, 1 de diciembre de 2012

MILES DAVIS - Milestones (1958)


Hoy nos ponemos de pie y nos sacamos el sombrero para reseñar a uno de los más grandes músicos de Jazz de todos los tiempos: el gran trompetista, director y compositor Miles Davis, quien es considerado como uno de los artistas más influentes del siglo pasado.

Nacido un 26 de Mayo de 1926 en Alton, Illinois, Miles Dewey Davis III, se inició en la música a los 13 años, cuando su padre (Miles Henry Davis) le regaló su primera trompeta, instrumento que lo acompañaría toda su vida, y lo inscribió en sus primeras clases con el maestro Elwood Buchanan.  Muy pronto, las cualidades de Davis comenzaron a aflorar, y a los 17 años ya tocaba en una agrupación llamada The Blue Devils, sin dejar de lado sus estudios escolares, a insistencia de su madre, Cleota Mae Davis.  Una vez que terminó la secundaria, el aún joven Miles Davis se mudó a Nueva York, para estudiar en la prestigiosa Juilliard School of Music, de la que se retiró porque, según él, sus clases se centraban mucho en un estilo europeo clásico.

Tras irse ganando un lugar en la escena neoyorkina de Jazz de aquel entonces, Davis grabó el disco "Blue Period" (Prestige Records, 1951), que sería el primero de su larguísima y aclamada trayectoria, que incluyó en total 48 álbumes en estudio, 36 en vivo, 38 recopilatorios, 3 soundtracks y 57 sencillos.  Hoy lo recordamos con su composición titulada "Milestones", un Jazz Standard que dió origen al disco del mismo nombre publicado en Setiembre de 1958 por Columbia Records, bajo la producción de George Avakian.  Este trabajo, editado originalmente en formato monofónico, es considerado hasta el día de hoy por los especialistas como uno de los mejores discos de Jazz de todos los tiempos, y en él participaron, además de Davis en la trompeta, Julian "Cannonball" Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Red Garland (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería).

Tras una brillante carrera, que lo ha convertido en toda una leyenda, Miles Davis falleció el 28 de Setiembre de 1991 en Santa Mónica, California, debido a un neumonía, que le provocó una falla respiratoria y un ataque cardíaco.  A manera de homenaje póstumo, muy merecido por cierto, este gran artista fue inducido al Rock and Roll Hall of Fame en 2006, habiendo ganado muchos premios a lo largo de los años, entre los que se cuentan 9 Grammy Awards (incluyendo uno a su Trayectoria en 1990), un Doctorado Honoris Causa en Música por el New England Conservatory (1986), y el grado de Caballero de la Legión de Honor del gobierno de Francia en (1991).




jueves, 29 de noviembre de 2012

KENT - Om du var här (1997)


Eskilstuna, Suecia, fue en 1990 la cuna de esta banda de Alternative/Indie Rock con influencias de Post-Punk, Synth-Pop y Progressive Rock, que inicialmente tomó el nombre de Coca-Cola Kids, para luego pasar a llamarse sucesivamente Jones & Giftet y Havsänglar , hasta definir la denominación que mantienen hasta hoy: Kent.

La alineación original del grupo estuvo conformada por Joakim Berg (voz/guitarra rítmica), Martin Sköld (bajo/teclados), Sami Sirviö (guitarra/teclados), Thomas Bergqvist (teclados) y Markus Mustonen (batería/piano/coros).  A lo largo de estos años, también pasaron por las filas de Kent los guitarristas Martin Roos (entre 1992 y 1995) y Harri Mänty (entre 1996 y 2006).

Su amplia discografía consta de 10 álbumes en estudio: "Kent" (RCA/BMG Ariola, 1995), "Verkligen" (RCA/BMG, 1996), "Isola" (RCA/BMG, 1997), "Hagnesta Hill" (RCA/BMG, 1999), "Vapen & Ammunition" (RCA/BMG, 2002), "Du & Jag Döden" (RCA/BMG, 2005), "Tillbaka Till Samtiden" (RCA/Sony BMG, 2007), "Röd" (RCA/Sony, 2009), "En Plats I Solen" (RCA/Sony, 2010) y "Jag Är Inte Rädd För Mörkret" (Universal, 2012).  Nueve de ellos fueron #1 en los Sverigetopplistan, nombre original de los Swedish Charts.

En esta ocasión lo dejamos con el vídeoclip de la canción "Om du var här" ("Si tú estuvieras aquí"), dirigido por Adam Berg, y que fue el primer single del disco "Isola", que fue editado en versión sueca e inglesa, obteniendo un Disco de Oro por sus ventas en Suecia, en donde llegó al puesto #3 de los Swedish Charts.  Kent es una de las bandas más importantes en la escena rockera del país balcánico, habiendo obtenido hasta la fecha 20 Swedish Grammy Awards. 




martes, 27 de noviembre de 2012

KANA'Q - Huaylas Nro.1 (2012)


Hoy nos complace presentarles a Kana'q, una agrupación nueva que combina magistralmente el Jazz y Funk con influencias del folklore peruano.  Nacida en 2011 por iniciativa del pianista Moisés Anglas, Kana'q (palabra en lenguaje quechua que significa "el que quema o hace fogata") esta agrupación está también conformada por Sergio López (bajo), Markho Hugo (saxofón) y Carlos Cam (batería).

Esta banda, que poco a poco busca hacerse de un espacio en la escena musical de su país, se encuentra actualmente en el proceso de finalizar lo que será su primera producción musical, de la que les traemos hoy un pequeño adelanto, que demuestra la enorme calidad instrumental de sus integrantes, que dan vida a las composiciones de Anglas, reconocido pianista y docente de música en el Perú.

Creemos firmemente que propuestas como ésta, sobre todo viniendo de países tan ricos culturalmente como el Perú, merecen ser difundidas, y es por eso que hemos decidido dedicarles el post de hoy martes.  Estamos seguros de que, si saben apreciar la buena música, se dejarán atrapar por el ritmo de Kana'q, a quienes les auguramos un gran éxito en el futuro.

Los dejamos pues a continuación con este gran cuarteto y su tema "Huaylas Nro.1".  Que lo disfruten tanto como nosotros.  Saludos a todos! 




lunes, 26 de noviembre de 2012

BOY MEETS GIRL - Waiting for a star to fall (1988)


Los cantautores George Merrill y Shannon Rubicam son los dos integrantes de Boy Meets Girl, banda fundada en la ciudad de Seattle, Washington, en 1982, y que continúa en actividad hasta el día de hoy.

Su primer álbum fue "Boy Meets Girl" (A&M Records, 1985), que tuvo a Tom Werman como productor musical, en el que Rubicam se encargó de la voz y coros, al igual que Merrill, quien también se hizo cargo de los teclados y programaciones.  A ellos se sumaron Richard Gibbs y el propio Tom Werman en los teclados y sintetizadores, así como los bajistas Leon Gaer y Kyle Henderson, el percusionista Steve Forman y el baterista Michael Jochum.  En este álbum les recomendamos escuchar las canciones "The touch" y "Oh girl", que llegó al puesto #39 del Pop Singles Chart de Billboard.

"Reel Life" (RCA/BMG, 1988) fue su siguiente lanzamiento discográfico, que fue producido por un equipo integrado por Thomas Hart, Arif Mardin y el mismo George Merrill.  Sin duda, uno de los puntos más altos de este disco es "Waiting for a star to fall", tema que fue compuesto por Merrill y Rubicam y que curiosamente fue ofrecido en un principio a Whitney Houston y Belinda Carlisle, quienes rechazaron la oferta.  Tras ello, los autores decidieron grabar la canción, que se convertiría en uno de sus más grandes éxitos, llegando al #1 del Adult Contemporary Chart de la Billboard, así como al #5 del Billboard Hot 100.  Hoy les traemos el vídeoclip de este gran tema, que fue dirigido por Claudia Castle, en el que aparecen las hijas de Merrill y Rubicam.

Las cualidades de ambos compositores también fueron aprovechadas por otros artistas, quienes grabaron sendos temas de ellos, como por ejemplo Whitney Houston ("How will I know" y "I wanna dance with somebody"), Deniece Williams ("Don't tell me we have nothing" y "Haunting me") o Bette Midler ("I know you by heart").  La carrera de Boy Meets Girls, que como ya dijimos continúa hasta hoy, ha producido 2 álbumes más: "New Dream" (BMG, 1990) y "The Wondeground" (BoyMeetsGirl Music, 2003). 




sábado, 24 de noviembre de 2012

BLIND MELON - No rain (1992)


Hay canciones que pasan a la historia por su indiscutible calidad.  Otras, por tener solamente un buen vídeoclip.  Pero en el caso de "No rain", tema del primer disco de Blind Melon, ambas cualidades se juntan para hacer de él un clásico moderno.  Por eso les dedicamos el post de hoy en el blog.

Este grupo nació en 1990 en Los Angeles, California, plena efervescencia del Grunge, aunque ninguno de sus miembros era de esa ciudad.  Su primera alineación estuvo conformada por Shannon Hoon (voz/guitarra acústica/armónica), Brad Smith (bajo/flauta/coros), Rogers Stevens (guitarra/piano/teclados), Christopher Thorn (guitarra/mandolina/armónica) y Glen Graham (batería/percusión), quienes en 1991 grabaron un demo EP llamado "The Goodfoot Workshop", que provocó que firmaran con Capitol Records, haciendo otro EP ese mismo año, titulado "The Sippin' Time Sessions", que nunca fue editado.

Fue recién al año siguiente que Blind Melon publicó su primer álbum homónimo, bajo la producción de Rick Parashar, en el que estaba la canción "No rain", que fue #1 en Canadá, al igual que en el Album Rock Tracks Chart y el Modern Rock Tracks Chart de la revista estadounidense Billboard.  Su inolvidable vídeoclip, con el personaje de la niña disfrazada de abeja (interpretado por Heather DeLoach), fue dirigido por Samuel Bayer, contribuyendo a cimentar la fama de la banda, que editó su segundo álbum en 1995, bajo el nombre de "Soup", producido por Andy Wallace, que no llegó a repetir el éxito de su predecesor.  Durante la gira de promoción de este disco, el vocalista Shannon Hoon fue hallado muerto el 21 de Octubre de 1995, debido a un ataque cardíaco originado por una sobredosis de cocaína.

A pesar de su lamentable pérdida, el resto de miembros de Blind Melon decidió seguir adelante con la banda, publicando un tercer disco, siempre con Capitol Records, en Noviembre de 1996.  Dicho álbum, "Nico", fue llamado así por la hija de Hoon (Nico Blue), con temas que Hoon llegó a grabar, y que fueron terminados por sus compañeros tras su muerte, con una pobre recepción de la prensa y el público.  Sin poder encontrar un nuevo cantante, Blind Melon se separó en 1999, hasta que en Setiembre de 2006 decidieron regresar, ya con Travis Warren como nuevo vocalista, lanzando "For My Friends", de forma independiente, en Abril de 2008.  Tras una nueva pausa entre 2009 y 2010, los Blind Melon siguen aún en actividad, aunque con un perfil bastante bajo.




miércoles, 21 de noviembre de 2012

JAGUARES - Como tú (2001)


En 1995, Caifanes, banda de culto de la escena rockera mexicana, anunció su disolución oficial debido principalmente al gran y notorio deterioro de la relación entre dos de sus principales miembros, el vocalista Saúl Hernández y el guitarrista Alejandro Marcovich.  Tras la separación, Hernández  centró su atención en recuperarse de un papiloma en sus cuerdas vocales, dolencia que estuvo a punto de ponerle fin a su carrera como cantante, cosa que felizmente no llegó a suceder.

Ya recuperado, Saúl Hernández decidió retomar su carrera musical, formando una nueva agrupación, a la que denominó Jaguares, convocando para ello a un antiguo compañero y miembro fundador de Caifanes, Alfonso André (batería/percusión), a quienes se sumaron también José Manuel Aguilera (guitarra), Federico Fong (bajo) y Cecilia Toussaint (coros).  Fue así que Jaguares editó su primer disco en Setiembre de 1996, bajo la producción de Don Was y Ed Cherney, titulado "El Equilibrio De Los Jaguares", con los sellos RCA y BMG.  A este álbum pertenecen temas como "Dime jaguar", "Detrás de los cerros", "Las ratas no tienen alas" o "En la habitación de tu mente", que aún reflejaban cierta reminiscencia del sonido de Caifanes.

Para su segundo disco, "Bajo El Azul De Tu Misterio" (BMG Entertainment México, 1999), que tuvo como productores musicales a Greg Ladanyi, Salvador "Sabo" Romo y Alfonso André, Jaguares había sufrido ya algunos cambios de alineación: César "Vampiro" López, ex-integrante de Maná y Azul Violeta, tomó el lugar de José Manuel Aguilera, mientras que Sabo Romo (otro de los miembros fundadores de Caifanes) reemplazó a Federico Fong.  Además, colaboraron también en este álbum el Jarris Margalli (guitarra) y C.J. Vanston (teclados).

"Cuando La Sangre Galopa" (RCA/BMG, 2001) fue el siguiente trabajo discográfico de Jaguares, con Jesús Merchán como nuevo bajista junto a Hernández, André y López.  Una de las mejores canciones de este disco, para nosotros, es "Como tú", sencillo que estuvo en los primeros lugares de los rankings en México, Costa Rica, Chile y Argentina.  Compuesta en clave 3-2 de salsa, este tema demostró que las cualidades poéticas de Saúl Hernández como letrista se mantenían intactas, virtud que ya se había mostrado ampliamente en Caifanes.  La discografía de Jaguares se completa con los discos "El Primer Instinto" (BMG, 2002), "Crónicas De Un Laberinto" (Sony/BMG, 2005) y "45" (EMI, 2008), que los llevó a ganar un Latin Grammy Award como Mejor Disco Alternativo/Rock.  Finalmente, en el año 2010, los Jaguares se separaron, con Saúl Hernández continuando como solista, hasta el retorno de Caifanes, ocurrido tras la esperada reconciliación entre el cantante y Alejandro Marcovich, quien también había sufrido por entonces de una seria enfermedad.




lunes, 19 de noviembre de 2012

CUT COPY - Need you now (2011)


Tras dos primeros discos muy exitosos, "Bright Like Neon Love" (2004) y "In Ghost Colours" (2008), la banda de Electrónica australiana Cut Copy nos volvió a deleitar el 4 de Febrero de 2011 con "Zonoscope", su tercera producción discográfica en estudio, publicada por Modular Recordings, la misma compañía discográfica de sus anteriores trabajos.

Este disco fue producido por Dan Whitford, vocalista/guitarrista/tecladista de Cut Copy, quien junto a Tim Hoey (guitarra/samplers), Ben Browning (bajo) y Mitchell Scott (batería), forman este muy buen cuarteto, que el año pasado, y a pesar de llegar solamente al lugar #3 del ARIA Albums Chart de su país natal, se hizo de un ARIA Music Award (como Mejor Lanzamiento de Música Dance) y un Artisan Award (como Mejor Portada), además de estar nominado como Mejor Disco de Dance/Electrónica en la 54ta. entrega de los Grammy Awards.  Recordemos que Ben Browning entró en reemplazo de Benneth Foddy, antiguo bajista del grupo.

El primer sencillo del "Zonoscope" fue "Take me over", que fue #10 del ARIA Heatseekers Chart, seguido de "Need you now", presentado como single en Febrero de 2011, y cuyo vídeoclip, que da origen al post de hoy, fue dirigido por Keith Schofield.  El tercer single de este álbum fue el tema "Blink and you'll miss a revolution", lanzado en Agosto del año pasado.

En la grabación del tema "Need you now", cabe mencionar que participaron, además de los miembros de la banda, Natasha Evans, Paris Lewis, Artia E. Lockett, Tanya Smith y Tony Hightower, quienes se encargaron de los coros.




domingo, 18 de noviembre de 2012

TRACY CHAPMAN - Talkin' 'bout a revolution (1988)


Proveniente de una familia de escasos recursos económicos, Tracy Chapman nació el 30 de Marzo de 1964 en Cleveland, Ohio, siendo criada por su madre, quien a los 3 años le regaló un Ukulele (guitarra tradicional hawaiiana de 4 cuerdas, derivada del Cavaquinho portugués).  Ya en su juventud, mientras realizaba sus estudios de Antropología y Cultura Africana en la Tufts University de Boston, Massachusetts, firmó su primer contrato discográfico con SBK Publishing en 1986, para pasar al año siguiente a las filas de Elektra Records.

Fue así que en 1988, la cantante editó "Tracy Chapman", su primer álbum que fue producido por David Kershenbaum, que la convirtió rápidamente en un éxito internacional, tras liderar los charts en Estados Unidos, Inglaterra, Austria, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda y Suiza, gracias a muy buena canciones en onda Folk y Soul como "Fast car", "Baby can I hold you" o "Talkin' 'bout a revolution", que les traemos el día de hoy.  Gracias a este trabajo, Chapman ganó 3 Grammy Awards a Mejor Nuevo Artista, Mejor Interpretación Femenina de Pop Vocal (por "Fast car") y Mejor Disco de Folk, además de recibir 3 nominaciones más ese año, incluyendo Disco y Canción del Año.

"Crossroads" (Elektra Records, 1989) fue su segundo álbum, co-producido por ella y David Kershenbaum, en el que colaboró el gran Neil Young.  Le seguirían, siempre con Elektra Records,  "Matters Of The Heart" (1992), "New Beginning" (1995), con el que ganó un nuevo Grammy Award a Mejor Canción Rock por "Give me one reason"; "Telling Stories" (2000), "Let It Rain" (2002), "Where You Live" (2005) y "Our Bright Future" (2008).

Disfruten de esta versión en vivo de "Talkin' 'bout a revolution", que a pesar de su ritmo cadencioso y lento (en tonalidad de G mayor), tiene una letra llena de contenido político, con frases como "...Poor people gonna rise up, and get their share, poor people gonna rise up, and take what's theirs..." ("...La gente pobre se va a levantar, y va a conseguir su porción, la gente pobre se va a levantar, y va a tomar lo que es suyo...").  Una canción cuya letra es totalmente vigente hasta el día de hoy, en el que vivimos rodeados de conflictos sociales alrededor del mundo.




sábado, 17 de noviembre de 2012

TEXAS - In our lifetime (1999)


Sharleen Spiteri (voz) y John Francis "Johnny" McElhone (antiguo miembro de grupos como Altered Images o Hipsway en bajo/guitarra), forman la columna vertebral de Texas, banda de Pop/Alternative Rock y Brit-Pop originada en la ciudad de Glasgow, Escocia, en 1986, cuyo nombre fue tomado de la altamente recomendable película "Paris, Texas", drama dirigido en 1984 por el alemán Wim Wenders.  Inicialmente, se unió a Spiteri y McElhone el también guitarrista Alistair Manson "Ally" McErlaine.

Son 7 los álbumes editados hasta la fecha por Texas, todos con el sello Mercury Records: "Southside" (1989), "Mothers Heaven" (1991), "Ricks Road" (1993), "White On Blonde" (1997), "The Hush" (1999), "Careful What You Wish For" (2003) y "Red Book" (2005).  Su discografía se completa con el EP "Everyday Now" (1989), los recopilatorios "The Greatest Hits" (2000) y "I Don't Want A Lover" (2004), y el disco en vivo "The BBC Sessions" (2007).

Hoy recordamos una de nuestras canciones preferidas de los escoceses, "In our lifetime", que fue el primer sencillo de su quinto álbum "The Hush",  que tuvo como productor musical a Johnny Mac (seudónimo de McElhone).  Este tema llegó a la ubicación #4 del UK Singles Chart, mientras que el disco lideró el UK Albums Chart, además de colocarse dentro de los 10 primeros lugares en países como Francia, Alemania, Noruega, Suecia, Suiza, Suecia y España, obteniendo en total 6 Discos de Platino y 3 Discos de Oro por sus ventas.

Texas se mantiene en actividad hasta la fecha, con la adición de Michael Bannister (teclados), Tony McGovern (voz/guitarra) y Ross McFarlane (batería).  Cabe mencionar también que en Setiembre de 2009, su guitarrista-fundador Ally McErlaine sufrió un aneurima cerebral masivo, del cuál felizmente se ha venido recuperando desde entonces.  Para este año, se esperaba el lanzamiento de un nuevo compilatorio del grupo, que llevaría como nombre "Say What You Want - The Collection", sin que ésto se haya concretado hasta el momento.




viernes, 16 de noviembre de 2012

LADYTRON - Destroy everything you touch (2005)


"Destroy everything you touch" fue el segundo single del álbum "Witching Hour", que fuera publicado en Octubre de 2005 por el sello Island Records como el tercero de la discografía del cuarteto inglés Ladytron, de quienes ya hemos posteado un par de canciones anteriormente.  Producido por los propios miembros del grupo: Helen Marnie (voz/sintetizadores), Mira Aroyo (voz/sintetizadores), Daniel Hunt (sintetizadores/batería electrónica/secuencias) y Reuven Wu (sintetizadores/batería electrónica/secuencias), junto a Jim Abbiss, este trabajo tuvo como posición más alta el #7 del Top Electronic Albums Chart de Billboard en los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido tan solo escaló hasta el lugar #81 del UK Albums Chart.

Volviendo a la canción del post de hoy, ésta llegó al puesto #42 del UK Singles Chart, que fue entonces la posición más alta obtenida entonces en su país por este grupo oriundo de la musical ciudad de Liverpool, cuna de los legendarios The Beatles.  Su vídeoclip tiene una elaborada producción visual, en donde los rostros de los miembros de Ladytron se fusionan con un paisaje oriental montañoso y nevado.  En cuanto al aspecto musical, "Destroy everything you touch" es una composición ideal para las pistas de baile, gracias a su pegajoso ritmo y su bien elaborada melodía vocal.

La indiscutible calidad de este tema lo llevó a ser incluído como parte de la banda musical del vídeojuego "2006 FIFA World Cup", desarrollado por la empresa EA Sports para las consolas GameCube, PlayStation 2, Xbox, Xbox 360, Game Boy Advance y Nintendo DS.  Además, fue utilizada también en los soundtracks de las películas "Smiley Face" (comedia dirigida por Gregg Araki en 2007), "One Missed Call" (cinta de terror dirigida por Eric Valette en 2008) y "Mammoth" (drama sueco dirigido por Lukas Moodysson en 2009).

Finalmente, recordaremos que artistas como el popular DJ galés Sasha y la banda de Indie Rock estadounidense The Faint han realizado sendas versiones de este tema, que los invitamos a disfrutar a continuación.  Buen fin de semana para todos! 




jueves, 15 de noviembre de 2012

ALISON MOYET - Is this love? (1986)


Tras formar parte, entre los años 1992 y 1983, del dúo Yazoo junto al ex-fundador de Depeche Mode, Vince Clarke, Geneviève Alison Jane Moyet, más conocida como Alison Moyet, continuó su carrera como solista, etapa en la que nos centramos en el post del día en nuestro blog.

Nacida en Billericay, Inglaterra, el 18 de Junio de 1961, Moyet trabajó a los 16 años como afinadora de pianos, para luego formar parte de bandas como The Vandals, The Screamin' Ab Dabs, The Vicars y The Little Roosters, antes de unirse a Vince Clark en Yazoo.  Ya separada de éste, Moyet editó en 1984 su primer álbum en solitario, titulado "Alf", producido por Steve Jolley y Tony Swain para CBS Records, del cuál no podemos dejar de mencionar a la espectacular balada "Invisible".

Su segundo disco solista fue "Raindancing" (CBS/Columbia, 1987), que fue #1 en Noruega y Nueva Zelanda, y #2 en el Reino Unido, en donde obtuvo un Doble Disco de Platino.  Para nosotros, la mejor canción de este álbum, de lejos, es "Is this love?", que fue lanzado en Noviembre de 1986 como el primer single promocional del disco, y que fue co-escrito y producido por Dave Stewart (miembro de Eurythmics junto a la gran Annie Lennox), quien en este caso usó el seudónimo de Jean Guiot.  Este track llegó al #1 del European Singles Chart, ubicándose además dentro del Top 5 en los rankings de países como Bélgica, Irlanda, Noruega, Sudáfrica, Suecia y el Reino Unido, en el que podemos disfrutar de la hermosa voz de esta gran cantante.

La discografía de Alison Moyet, que se vió temporalmente interrumpida entre los años 1995 y 2000, por problemas con su sello de entonces, Sony Music, se completa con los discos "Hoodoo" (CBS, 1991), "Essex" (CBS, 1994), "Hometime" (Sanctuary Records, 2002), "Voice" (Sanctuary Records, 2004) y "The Turn" (W14 Music, 2007), incluyendo los compilatorios "Singles" (1995), "The Essential Alison Moyet" (2001) y "The Best Of: 25 Years Revisited" (2009), todos ellos publicados por Sony Music Entertainment.  Según ha anunciado la propia cantante, en estos momentos se encuentra trabajando en un nuevo álbum, bajo la producción del inglés Guy Sigsworth (quien fuera parte de Frou Frou junto a Imogen Heap), y que se espera sea lanzando a comienzos de 2013. 




miércoles, 14 de noviembre de 2012

KING CHANGÓ - Melting pot (1996)


Changó, Shangó o Sàngó (en el dialecto nigeriano Yoruba), es considerado como el Orisha o Divinidad de los truenos, los rayos, la justicia, la virilidad, la danza y el fuego, quien además está relacionado con Santa Bárbara en la Santería (práctica de carácter religioso que fusiona creencias católicas con la cultura tradicional yoruba), muy conocida en países latinoamericanos como Cuba, Puerto Rico, República Dominicana, Panamá, Brasil, Colombia y Venezuela.

Es justamente en este último país en donde, en 1994, y específicamente en la ciudad capital de Caracas, se fundó una banda que tomó el nombre de este deidad: King Changó, que fusiona Reggae, Ska, Salsa y Cumbia, integrada por José Andrés "Blanquito Man" Blanco (voz/percusión), Luis Eduardo "Negrito Man" Blanco (teclados/cuatro venezolano/percusión), Miguel Oldenburg (guitarra), Glenda Lee (bajo), Martín Adrián "Martín Perna" Cunnigham (saxo tenor), Fernando Vélez (percusión), Mike Wagner (trombón/guitarra) y Luis "El Pulpo" Ruiz (batería/percusión).

Poco después de emigrar a Nueva York y consolidarse como banda, King Changó llamó la atención de David Byrne (líder de los célebres Talking Heads), quien firmó al grupo para su sello de World Music llamado Luaka Bop, compañía con la cual editaron en 1996 su disco debut homónimo, compuesto por 13 canciones llenas de ritmo y sabor latino, entre las que destaca nítidamente la canción "Melting pot", que compartimos con ustedes en este post.

Cuatro años más tarde, el combo venezolano presentaría su segundo álbum (y último hasta la fecha), titulado "El Regreso del Santo", en el que empezaron a añadir elementos de Trip-Hop y Drum 'n' Bass.  Sin embargo, en 2003, King Changó entró en una prolongada pausa, la misma que parece haber terminado en 2010, cuando el grupo retomó sus presentaciones en vivo, aún sin nuevo material discográfico a la vista.  Si quieren estar informados de las novedades de esta muy buena banda, síganlos a través de su cuenta en Facebook




martes, 13 de noviembre de 2012

CUSTOMS - Harlequins (2011)


Tras sorprendernos gratamente con su disco debut, "Enter The Characters", del cuál posteamos en su momento la canción "Justine", el cuarteto de Indie Rock belga Customs volvió a dar la hora con "Harlequins Of Love", su segunda producción discográfica que fue lanzada al mercado el 23 de Setiembre de 2011, a través de los sellos Noisesome Recordings y EMI, el mismo que fue grabado y producido por Jo Francken entre Abril y Mayo del 2011 en los ICP Studios (Bruselas - Bélgica) y Motor Music Studio (Mechelen - Bélgica), y masterizado en los renombrados Abbey Road Studios (Londres - Inglaterra) por Geoff Pesche, el mismo ingeniero que trabajó en su álbum debut.

Compuesto por 10 temas de muy buen factura, entre los que podemos mencionar a "Samstag, Im Lido", "Only after dark", "Your roses", "The house will win", "Velvet love" y "Toupee", este nuevo disco de Kristof Uittebroek (voz/guitarra), Jelle Janse (guitarra), Joan Govaerts (bajo) y Ace Zec (batería), mantiene la frescura de su predecesor en sus canciones, gracias a sus marcadas bases rítmicas y sus acertados arreglos de guitarras.  Cabe mencionar que en el "Harlequins Of Love", los Customs contaron con el aporte de Steven Vervaet (piano), en los tracks "Minuet for a gentleman" e "Insanity's famous last words", y de Yannic Fonderie, encargado de los teclados y programaciones.

Hoy queremos compartir con ustedes el tema "Harlequins", que fuera el primer single de promoción de este nuevo trabajo de los belgas, y que llegó hasta la posición #2 de los charts en su país.  Además de realizar giras por toda Europa presentando este disco, el vocalista Kristof Uittebroek se encuentra trabajando en simultáneo en un proyecto paralelo llamado August Albert, del que pueden conocer más en su respectiva página web.

Si quieren darle una escuchada a todos los temas del disco, los invitamos a visitar el website oficial de Customs: www.customstheband.com.  Saludos a todos! 




lunes, 12 de noviembre de 2012

BABES IN TOYLAND - Sweet '69 (1995)


Estamos de vuelta! Muchas cosas importantes nos han pasado durante el tiempo que estuvimos en estado de hibernación forzada: nos mudamos de casa, con todo el desorden inicial que eso conlleva, y sobre todo, pasamos la barrera de las 100,000 visitas! Pero ya instalados en nuestro nuevo centro de operaciones, retomamos nuestro viaje sónico con más buena música, dándoles gracias a ustedes, como siempre, por acompañarnos en esta aventura.

Nuestro post de hoy se enfoca en Babes in Toyland, una interesantísima banda de Alternative Rock/Punk Rock/Grunge fundada en 1987 en Minneapolis, Minnesota por Kat Bjelland (guitarra) y Lori Barbero (batería), a las que se sumaron inicialmente Cindy Russell (voz) y Chris Holetz (bajo), quienes duraron muy poco tiempo en el grupo.  Tras su partida, Barbero y Bjelland, quien asumió además el rol de cantante, convocaron para el bajo a Courtney Love (la hoy viuda del ícono grunge Kurt Cobain y lideresa de Hole), quien en 1985 había formado con Bjelland otra agrupación llamada Pagan Babies.  Sin embargo, Love fue echada de Babes in Toyland a las pocas semanas, para dar paso a Michelle Leon, quien se mantendría hasta 1991.

Bajo la batuta del productor Jack Endino, y con el sello Twin/Tone Records, el trío dió luz verde en 1990 a "Spanking Machine", su disco debut, que fue bastante bien recibido por la potencia de canciones como "Swamp pussy", "Vomit heart", "Dust cake boy" o "Dogg", que hicieron que otros músicos, como el guitarrista Thurston Moore (de Sonic Youth) se declararan seguidores de las Babes in Toyland.  Varias de las canciones que quedaron fuera de este primer disco fueron editadas ese mismo año en un EP titulado "To Mother", lanzado en un principio por Southern Records, y más tarde por Twin/Tone Records.

"Fontanelle" (Reprise Records, 1992) fue el segundo de sus 3 álbumes en estudio, que fue co-producido por Lee Ranaldo (el otro gran guitarrista de Sonic Youth) y la propia Kat Bjelland.  Poco después de iniciar las grabaciones de este disco, Michelle Leon dejó al grupo tras la muerte de su novio, Joseph "Joe" Cole, quien era roadie de Black Flag y Rollins Band.  Su lugar fue ocupado entonces por Maureen Herman.  Con temas como "Bruise violet", "Spun", "Real eyes" y "Handsome and Gretel", este disco llegó hasta el lugar #24 del UK Albums Chart.  Siempre con el sello Reprise, las Babes in Toyland editaron el EP "Painkillers" (1993) y el álbum "Nemesisters" (1995), que fue producido por Tim Mac siendo su último trabajo oficial en estudio, del que les traemos la canción "Sweet '69", que escaló hasta el puesto #37 del Modern Rock Tracks Chart de Billboard.  Tras varios cambios más en su alineación, este grupo se desarmó oficialmente en 2001, con Kat Bjelland formando un nuevo proyecto musical, llamado Katastrophy Wife.




domingo, 23 de septiembre de 2012

BILLY JOEL - Honesty (1978)


Otro domingo más en nuestro blog.  Como todos los domingos, hoy dedicamos el post a una balada, y lo hacemos con un artista de una larga trayectoria, ganador en seis oportunidades de los Grammy Awards, y miembro selecto del Songwriter's Hall of Fame y del Rock and Roll Hall of Fame, con un total aproximado de 150 millones de discos vendidos.  Nos estamos refiriendo al gran Billy Joel.

Nacido bajo el nombre de William Martin Joel, este cantautor y pianista nació el 9 de Mayo de 1949 en el barrio de The Bronx, Nueva York, siendo hijo del alemán Helmuth Joel y de la inglesa Rosalind Nyman.  Debido a que su padre era pianista, Billy aprendió a tocar dicho instrumento a muy temprana edad.  Ya en su etapa adolescente, Billy se dedicó además al boxeo amateur, actividad que abandonó cuando sufrió la rotura de su tabique nasal en uno de sus combates.  Con tan solo 14 años, fundó un grupo con el que hacía covers de bandas británicas, llamado The Echoes, que luego se convirtió en The Emeralds y más tarde en Lost Souls.  Dos años después, Joel dejó a Lost Souls y se sumó a The Hassles, con quienes publicó 2 discos, para luego crear el dúo Attila.

Ya como solista, Billy Joel grabó su primer álbum en 1971, que llevó por título "Cold Spring Harbor" y fue editado por Family Productions con Artie Ripp como productor musical, al que siguieron los discos "Piano Man" (1973), "Streetlife Serenade" (1974), "Turnstiles" (1976) y "The Stranger" (1977), todos ellos publicados a través de Columbia Records, y merecedores de 16 Discos de Platino por sus ventas, lo que lo convirtió en una estrella de primera a nivel mundial.

Su sexto álbum en estudio, que llegó (por primera vez en la carrera de Joel) a ser #1 en los rankings de Australia, Canadá, Nueva Zelanda y los Estados Unidos, se llamó "52nd Street" , lanzado en 1978 nuevamente por Columbia Records, con Phil Ramone como responsable de la producción musical, en el que Billy Joel se encargó de la voz y el piano, con la colaboración de renombrados músicos como Dave Grusin, Peter Cetera y Liberty DeVitto.  Nuevamente, este trabajo fue un éxito total, ganando 2 Grammy Awards, como Mejor Disco del Año y como Mejor Interpretación Vocal Masculina Pop.  Hoy recordamos la que, para nosotros, es la mejor canción del álbum, la preciosa balada "Honesty", una muestra del gran talento de Joel como compositor, que consiguió impregnarle a este tema un sentimiento tal, que la ha convertido en todo un clásico, y que también fue nominada al Grammy por Mejor Canción del Año. 




jueves, 20 de septiembre de 2012

SODA STEREO - Cuando pase el temblor (1985)


Cada cierto tiempo, aparecen por ahí algunos charlatanes que predicen que ocurrirá un terremoto en alguna parte del mundo.  Para los que estamos informados de la naturaleza de estos fenómenos naturales, estas predicciones no son más que estrategias de dichos personajes para captar un poco de notoriedad internacional.  En esta ocasión, las "ufólogas" (sic) rusas Victoria Popova y Lidia Andrianova han pronosticado que el día de mañana, 21 de Setiembre de 2012, un fuerte movimiento sísmico tendrá lugar en las costas de Perú, seguido de un tsunami de proporciones apocalípticas, lo que ha generado, como se esperaba, una especie de "psicosis colectiva".

Como a  nosotros no nos preocupan estas trivialidades, se nos ocurrió postear hoy una canción que nos gusta mucho, con una temática alusiva a la noticia en mención.  "Cuando pase el temblor" formó parte del disco "Nada Personal", el segundo en la trayectoria de la hoy mítica banda argentina Soda Stereo (una de nuestras favoritas de siempre), que fue publicado en Noviembre de 1985 por Sony Music, que constituye un punto muy importante del trío conformado por Gustavo Adrián Cerati Clark (voz/guitarra), Héctor Pedro Juan Bosio Bertolotti (aka Zeta Bosio, bajo) y Carlos Alberto Ficicchia Gigliotti (aka Charly Alberti, batería).

Con canciones memorables como "Si no fuera por...", "Danza rota", "Juego de seducción", "Estoy azulado", "Imágenes retro", "Ecos", "Nada personal" o "El cuerpo del delito", este disco fue grabado en los Estudios Moebio de Buenos Aires por el Ingeniero de Sonido Mariano López, bajo la producción de la propia banda.

"Cuando pase el temblor" fue compuesta por Gustavo Cerati, y se le ha dado diversas interpretaciones a su letra: algunos leen entre líneas que se trata de una metáfora sobre el orgasmo, mientras que otros la relacionaron con tragedias naturales, sociales o personales.  Por ejemplo, en Chile, la gente la tomó como himno tras la caída del régimen del dictador Augusto Pinochet.  En cuanto a su sonido, este tema tiene marcadas influencias de la música andina, con arreglos que simulan  instrumentos usados en esa región como las chacchas, el charango y los sikus, que combinan influencias de géneros musicales como el Reggae y el Carnavalito (muy característico de ciudades del norte argentino como Jujuy, Salta, Catamarca o Tucumán).  El vídeoclip, dirigido por Alfredo Lois, fue grabado en las ruinas de la fortaleza de Pucará de Tilcara, ubicadas en la Quebrada de Humahuaca, en la provincia argentina de Jujuy. 




lunes, 17 de septiembre de 2012

RITCHIE - Menina veneno (1983)


Richard David Court nació en Beckenham, Inglaterra, el 6 de Marzo de 1952.  Probablemente muy pocos lo conocen por su nombre de pila, ya que tras vivir en países como Kenia, Dinamarca, Yemen del Sur, Italia, Alemania y Escocia, terminó en 1972 asentándose en Brasil, específicamente en la ciudad de São Paulo, gracias a su amistad con los miembros de la banda Os Mutantes (integrada por Rita Lee, Sérgio Dias y Arnaldo Baptista).  Fue así que Court decidió adoptar el nombre artístico con el que se hizo famoso en toda Latinoamérica: Ritchie.

Inicialmente, este cantautor formó parte de Scaladácida, grupo conformado también por Fabio Gasparini (guitarra), Sergio Kaffa (bajo) y Azael Rodrigues (batería), con quienes trabajó solo por un año, ya que en 1973 decidió mudarse a Río de Janeiro con su esposa, la arquitecta y diseñadora Leda Río Zuccarelli.  Ya en Río, formó parte de otro proyecto musical llamado A Barca do Sol, esta vez como flautista, junto a Vimana Boden, Santos Lulu, Luiz Fernando Gama y Simas, hasta que después decide continuar su carrera como solista.

Su primer disco en solitario fue "Vôo de Coração", publicado por Sony Music en 1983, en el que Ritchie se encargó de la voz, teclados y flauta, y en donde además colaboró el guitarrista Steve Hackett, ex-miembro de Genesis y GTR.  Este álbum, que llegó a vender más de un millón de copias, contenía además la canción que convertiría a Ritchie en un suceso en muchos países de Sudamérica por aquellos años: "Menina veneno", que también fue grabada en una versión en español, bajo el nombre de "Mi niña veneno".

La carrera musical de Ritchie continuó con los álbumes "E A Vida Continua" (1984), "Circular" (1985), "Loucura E Mágica" (1987), "Pra Ficar Contigo" (1988), "Sexto Sentido" (1990), "Tigres De Bengala" (1993), "Auto-Fidelidade" (2002) y "Outra Vez" (2009), siendo este último un disco en vivo grabado en estudio.  A ellos se suman el recopilatorio "O Melhor De Ritchie" (1985), el disco en vivo "Anos 80 - Multishow" (2005) y una edición remasterizada y conmemorativa por los 25 años de la publicación de "Vôo de Coração", lanzada en 2008. 




domingo, 16 de septiembre de 2012

R.E.M. - Everybody hurts (1992)


Un nuevo domingo en el blog, esta vez con una increíble balada y un vídeo sobresaliente, a cargo de R.E.M., una banda de la que ya nos hemos ocupado en varias oportunidades anteriores y que está entre nuestras favoritas.

La canción que posteamos hoy, "Everybody hurts", fue uno de los singles del "Automatic For The People", octavo álbum del cuarteto de Athens, Georgia, conformado por Michael Stipe (voz), Mike Mills (bajo), Peter Buck (guitarra) y Bill Berry (batería), y que fuera publicado en Octubre de 1992 por Warner Bros. Records, con la producción musical de Scott Litt.  Este disco tuvo la intención, según declararon los propios miembros del grupo, de alejarse un poco del estilo de su anterior disco, el celebrado "Out Of Time" de 1991.

Aunque los 4 integrantes de R.E.M. participaron en la composición de la canción, el baterista Bill Berry tuvo una actuación preponderante, a pesar de que finalmente no tocó en la canción (ya que ésta no tiene batería, sino patrones de ritmo de una Univox Drum Machine).  Otro dato interesante de este single, que llegó al Top 10 en Australia, Canadá, Francia, Irlanda y el Reino Unido, fue que los arreglos de cuerdas fueron escritos por el ex-bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones.

Como ya dijimos al inicio de este post, uno de los puntos más altos de esta muy buena canción es su extraordinario vídeoclip, uno de los más sentimentales que recordemos, mérito de su director, el ingles Jake Scott, cuya temática está influenciada por la escena inicial de la película "", dirigida en 1963 por el italiano Federico Fellini.  El vídeoclip de "Everybody hurts", en blanco y negro, fue filmado cerca del Fredericksburg Road Bridge en San Antonio, Texas, y fue considerado en el año 2007 entre el Top 5 de los Vídeos Musicales Más Memorables de la cadena MuchMoreMusic.  Por si fuera poco, artistas famosos como Paul Anka, Joe Cocker, The Corrs, Meat Puppets, Patti Smith, Bonnie Tyler, Coldplay y Tangerine Dream han hecho sendos covers de este bellísimo tema. 




jueves, 13 de septiembre de 2012

ENTRE RÍOS - Si fuimos (2000)


Synth-Pop e Indietrónica es la combinación que plantea la propuesta sónica de Entre Ríos, banda fundada en el año 2000 en Buenos Aires, Argentina, cuando dos ex-miembros del grupo Tus Hermosos, Sebastián Carreras (samplers/teclados) y Gabriel Lucena (programaciones/sintetizadores), se unieron a la dibujante y autora de libros ilustrados Marisol "Isol" Misenta.

"Litoral" (Índice Virgen, 2000) fue el primer EP del trío porteño, compuesto por 5 temas: "Bajo", "Litoral", "Si fuimos", "Por tí" y "Tuve", en los que los arreglos electrónicos de Carreras y Lucena servían como marco para la melodiosa y tierna voz de Misenta, que los llevó a ser mencionados entonces por su compatriota Gustavo Cerati como banda revelación en una encuesta realizada por el diario argentino Clarín.  Un año más tarde, Entre Ríos editó su segundo EP, "Temporal", nuevamente con Índice Virgen y con otras 5 canciones.

El primer álbum llegaría en 2002, con el nombre de "Idioma Suave", seguido ese mismo año por "Sal", que fue publicado por el sello indie español Elefant Records, y considerado por publicaciones como Rolling Stone Argentina y Les Inrockuptibles entre los mejores discos del año.  Con cinco producciones más a cuestas, siendo la última de ellas "Era" (2011), Entre Ríos ha sufrido múltiples variaciones desde 2005, cuando Paula Meijide reemplazó a Isol Misenta.  Poco a poco, la fama del grupo fue extendiéndose a otros países como Colombia, México, Uruguay, Chile y Perú.

El único miembro fundador que se mantiene en la banda es Sebastián Carreras, tras el alejamiento de Gabriel Lucena en 2009, quien en la actualidad forma parte de Miranda! (otra agrupación argentina heredera del legado musical de Entre Ríos).  Hoy en día, completan el line-up del grupo: Julieta Brotsky (voz/sintetizadores), Pablo Carreras (bajo), Gonzalo Campos (guitarra) y Romina D'Angelo (batería), quienes acompañan a Sebastián Carreras, que además ha lanzado un álbum solista, bajo el seudónimo de Ondo, titulado "Uno".




martes, 11 de septiembre de 2012

JAZZANOVA - Let it go (2012)


Axel Reinemer (secuencias), Stefan Leisering (congas), Paul Kleber (bajo), Sebastian Studnitzky (piano/teclados), Arne Jansen (guitarra), Sebastian Borkowski (saxofón/flauta), Stefan Ulrich (trombón) y Carl-Michael Grabinger (batería), son los integrantes de Jazzanova, un colectivo musical de Berlín, Alemania, al que pertenecen también los DJs y productores Alexander Barck, Class Brieler, Jürgen von Knoblauch y Roskow Kretschmann, quienes en 1995 formaron esta agrupación que mezcla el Jazz, Latin Jazz, Soul, Funk, Chill Out y Electrónica de una forma muy moderna e interesante.

En sus inicios, este grupo se caracterizó por realizar remixes para una larga lista de artistas cultores del Nu-Jazz y del Chill Out de diferentes partes del mundo, que los hicieron conocidos.  En 1997, el núcleo central de Jazzanova (conformado por Barck, Brieler, von Knoblauch, Kretschmann, Leisering y Reinemer) se animó a fundar su propio sello musical independiente, llamado Sonar Kollektiv, con el cuál han editado varios de sus trabajos y los de muchos otros artistas.

La discografía oficial de Jazzanova se inició en 2002, con el lanzamiento del disco "In Between", compuesto por 17 temas entre los que les recomendamos "Hanazono", "Soon", "E-Ovation", "Keep falling" y "Sub-Atlantic".  Su segunda producción discográfica propia llegaría recién en 2008, bajo el nombre de "Of All The Things", bajo el sello Verve Records, en que contaron con varios cantantes invitados como Phonte, Paul Randolph, Ben Westbeech, Jose James, Leon Ware, Joe Dukie, Pedro Martins y Bembé Segue.

Hoy compartimos con ustedes una versión en vivo de la canción "Let it go", perteneciente al más reciente disco de los alemanes, "Funkhaus Studio Sessions" (Sonar Kollektiv, 2012), que fue grabado en los GDR Rundfunk Orchestra Studios de Berlín.  En este trabajo, Jazzanova volvió a invitar a Paul Randolph a participar como vocalista invitado, para coronar el impecable trabajo instrumental del grupo.




domingo, 9 de septiembre de 2012

GAZEBO - I like Chopin (1983)


Seguramente muchos de ustedes se sorprenderán al saber que esta artista se mantiene en actividad hasta hoy.  A pesar de haber nacido en Febrero de 1960 en Beirut, Líbano, posee la nacionalidad italiana, al ser hijo de un diplomático italiano y una cantante estadounidense.  Aunque su nombre de pila es Paul Mazzolini, la gran mayoría lo ubica por su alias artístico, Gazebo.

Con una discografía que comprende 11 álbumes en total hasta la fecha, Gazebo se hizo popular a inicios de los 80's con una de las canciones de su disco debut, titulado simplemente "Gazebo", publicado por Baby Records en 1983.  Dicha canción, una de las 8 que incluyó el álbum en mención, le bastó para ganarse un lugar en la memoria de muchos: "I like Chopin", que fue producida por Pierluigi Giombini, quien además compuso la música de la misma, considerada como un himno del llamado Italo Disco, género musical surgido a finales de la década de los 70's en la Península Itálica, cuyo nombre se asigna a Bernard Mikulski, y con un sonido que se derivaba del New Wave y Synth-Pop.

"I like Chopin" llegó a liderar los rankings musicales en países como Alemania, Suiza, Austria e Italia, además de entrar dentro del Top Ten en Holanda y Japón, país en el que ha sido versionada en décadas posteriores por diversos artistas como Asami Kobayashi, Atsushi Sakurai y Ryuichi Kawamura.  Otros temas destacados de este primer disco de Gazebo fueron "Love in your eyes", "Masterpiece", "Gimmick!" y "Lunatic".

Sus trabajos posteriores fueron "Telephone Mama" (1984), "Univision" (1986), "The Rainbow Tales" (1988), "Sweet Life" (1989), "Scenes From The News Broadcast" (1991), "Portrait" (1994), "Viewpoint" (1997), "Portrait & Viepoint" (2000), "Ladies! The Art Of Remixage" (2007) y "The Syndrome" (2008).  Además, su más reciente sencillo, "Queen of burlesque", fue presentado en Mayo de 2011 a través de iTunes.  Para más información actual de Gazebo, les recomendamos visitar su página web oficial.




viernes, 7 de septiembre de 2012

CHRISTIANES - Mírame solo una vez (1995)


Desde Santiago, Chile, recordamos hoy viernes en el blog a Christianes, una banda de Dream Pop, fundada en 1989 por Christian Arenas (voz/guitarra) y Cristián Heyne (bajo/programación), lo que explica el nombre del grupo, que se caracterizó por ser bastante reacios a la exposición mediática, motivo que tal vez limitó de cierta forma su fama, a pesar de lo cuál llegaron a cosechar una buena legión de seguidores en toda Latinoamérica.

Arenas y Heyne dieron vida a este proyecto musical cuando eran aún adolescentes, centrándose en un primer momento en hacer covers de The Cure.  Fue recién en 1990, con el ingreso del también cantante y guitarrista Juan Carlos Oyarzún, que Christianes comenzó a componer sus primeros temas.  Este impulso se vió frenado en parte en 1992, con el alejamiento de Oyarzún, quien posteriormente formaría parte de otro grupo llamado Justine.  Esta salida llevó a la dupla Arenas/Heyne a buscar un nuevo vocalista, eligiendo finalmente a una estudiante de danza con poca experiencia en el canto, llamada Evelyn Fuentes, con quien empezaron a variar su sonido hacia un estilo más cercano a bandas como My Bloody Valentine o Cocteau Twins.

Su primer sencillo en ser difundido por las radios chilenas fue "Sol", que les abrió las puertas para colocar otras 4 canciones en la banda sonora de la teleserie "Top Secret", gracias a lo cuál lograron llamar la atención de la compañía discográfica EMI Odeón, que decidió firmar a Christianes en 1995.  Fue así que, en la segunda mitad de ese año, el trío chileno dió vida a su primer y único disco, "Ultrasol", compuesto por 16 tracks y que tuvo como caballo de batalla al tema "Mírame solo una vez", una buena canción que combina guitarras y arreglos de cuerdas que complementan el peculiar estilo de cantar de Evelyn Fuentes, que llevaron a compararla con otras vocalistas latinas como Jeanette (la de "Soy rebelde" o "Corazón de poeta") o la española Ana Torroja, frontwoman del excelente trío Mecano.

Para sus presentaciones en vivo (que fueron bastante escasas), Christianes contó con el apoyo de Denver (guitarra) y Juan Patricio Fuenzalida (batería).  Al mismo tiempo, Cristián Heyne comenzó a trabajar en forma paralela con otra banda llamada Shogún, que poco a poco fue absorbiendo su atención, originando que en 1997 la historia de Christianes llegara prematuramente a su fin.  Tras la separación, Christian Arenas desapareció de la escena musical chilena, Evelyn Fuentes volvió al ambiente de la danza, mientras que Cristián Heyne continuó su carrera como productor y músico.




miércoles, 5 de septiembre de 2012

AUDIOSLAVE - Cochise (2002)


Con tres álbumes publicados entre 2001 y 2007, años en los que duró su existencia, Audioslave se convirtió en una de las bandas que lideraron la escena del Alternative Rock de la era post-Grunge, gracias en gran medida al currículum previo de sus integrantes.  Su vocalista/guitarrista, Chris Cornell, se había hecho conocido anteriormente por liderar a Soundgarden, uno de los grupos más emblemáticos de la escena Grunge de los 90's, mientras que sus otros 3 miembros, Tim Commerford (bajo/coros), Tom Morello (guitarra) y Brad Wilk (batería), hicieron lo propio junto a Zack de la Rocha en la incendiaria banda Rage Against The Machine.

Tras la disolución de ambas bandas, bastante buenas por cierto, los 4 músicos decidieron reunirse en 2001 en Los Angeles, California, para continuar su carrera musical con este nuevo proyecto, el cuál, según declaró alguna vez el propio Chris Cornell, iba a llamarse originariamente Civilian, nombre que tuvo que ser desechado porque ya estaba siendo usado por otro grupo.  Tras elegir el nuevo nombre de Audioslave, los estadounidenses se dieron con la sorpresa de que este nuevo nombre también pertenecía ya a otra agrupación de Liverpool, Inglaterra.  Tras llegar a un acuerdo económico, los ingleses aceptaron ceder el nombre a Cornell y compañía, para pasar a llamarse The Most Terrifying Thing.

El primer disco homónimo de Audioslave se editó en Noviembre de 2002, por el sello Epic Records y con el renombrado Rick Rubin como productor.  Rápidamente, comenzó a llamar la atención internacional, llegando al puesto #7 del Billboard 200 Chart, gracias a muy buenas canciones como "Like a stone", "I am the highway", "What you are" o "Cochise", que posteamos el día de hoy y cuyo vídeo fue dirigido por el reconocido Mark Romanek.  Aunque el sonido de esta canción se asemeja bastante a Rage Against The Machine (por obvias razones), sobresale también por la buena interpretación vocal de Chris Cornell, algo que no sorprende.

Los 2 álbumes restantes de este grupo fueron "Out Of Exile" (Epic/Interscope Records, 2005), producido de nuevo por Rick Rubin, llegando a ser #1 en Estados Unidos, Noruega, Nueva Zelanda y Canadá; y "Revelations" (Epic/Interscope Records, 2006), con Brendan O'Brien como productor musical, que ocupó el mismo lugar en Australia, Canadá y Nueva Zelanda, además de ser #2 en Estados unidos y Finlandia.  Como ya dijimos, Audioslave se separó en 2007, tras lo cuál sus miembros decidieron revivir a sus bandas previas, las cuáles se mantienen en actividad hasta el día de hoy.




martes, 4 de septiembre de 2012

LOS ABUELOS DE LA NADA - Lunes por la madrugada (1984)


1967. Buenos Aires, Argentina.  Tomando como referencia parte de una frase del libro "El Banquete de Severo Arcángelo", escrito en 1965 por Leopoldo Marechal, que decía: "...padre de los piojos, abuelos de la nada...", el cantante Miguel Ángel Peralta (aka Miguel Abuelo), decide fundar una de las bandas más importantes en la historia del Rock de ese país: Los Abuelos de la Nada.  En aquel entonces, se sumaron a la primera etapa de la banda músicos como Alberto Lara (bajo), Eduardo "Mayoneso" Fanacoa (teclados), Micky Lara (guitarra), Norberto "Pappo" Napolitano (guitarra) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería).

En 1968, Los Abuelos de la Nada lanzó su primer single, "Diana divaga", canción co-escrita por Miguel Abuelo y Alberto "Pipo" Lemoud, que fue publicada por el sello CBS Discos bajo la producción de Yako Zeller, teniendo como lado-B a "Tema en flu sobre el planeta".  En aquel sencillo colaboraron también Cluadio Gabis (guitarra), Ernesto Zimberlín (violín) y Javier Martínez (batería).  Sin embargo, poco después, el grupo decide disolverse, con Miguel Abuelo emigrando a España y "Pappo" Napolitano, quien le había sugerido darle una onda más blusera a la banda, formando Pappo's Blues, otra banda importantísima para la música argentina.

Ya de vuelta en Argentina, a comienzos de la década de los 80's, Miguel Abuelo decide revivir a Los Abuelos de la Nada, convocando entonces a un grupo de músicos que le daría al grupo su condición de banda de culto: Andrés Calamaro (teclados/voz), Gustavo Bazterrica (guitarra/coros), Gerardo "Cachorro" López (bajo/coros), Daniel Melingo (saxo/clarinete/coros) y Polo Corbella (batería).  Esta nueva alineación, se encargó de darle a Los Abuelos un estilo más cercano al Pop Rock y al New Wave, que se vió reflejado en el disco "Los Abuelos De La Nada" (Interdisc, 1982), que tuvo como productor nada menos que a Charly García, incluyendo los primeros himnos del grupo, "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí", "Sin gamulán" y "Levantando temperatura", éstas 2 últimas compuestas por un entonces joven Andrés Calamaro.

La carrera ascendente de Los Abuelos de la Nada siguió con "Vasos Y Besos" (Interdisc, 1983), en donde sobresalen los temas "Así es el calor" y "Mil horas".  El tercer álbum del grupo fue "Himno De Mi Corazón" (DG Discos/Interdisc, 1984), ya con el ingreso del saxofonista Alfredo Desiata en lugar de Daniel Melingo, quien en 1982 fundó Los Twist, además de integrar la banda de Charly García.  Sin dudas, la joya de este disco es el tema que abre el mismo, compuesto por "Cachorro" López, "Lunes por la madrugada", todo un hito del Rock latinoamericano de aquella década, que fue el segundo sencillo después de la canción que dió nombre al álbum.  Otros tracks resaltantes de este trabajo son "Medita sol", "En la fuente de la unión" y "La fórmula del éxito".  El resto de la historia de Los Abuelos de la Nada será motivo de otra publicación, que haremos más adelante.  Mientras tanto, disfruten de esta gran canción. 




lunes, 3 de septiembre de 2012

DELPHIC - Good life (2012)


Mientras aguardamos por el lanzamiento de su segundo álbum, que será editado entre Octubre y Noviembre de este año, los dejamos con el más reciente sencillo de Delphic, atractiva banda de Marple Bridge, Inglaterra, cultora del Synth-Pop y la Electrónica de baile.

"Good life", canción que posteamos hoy, tuvo el enorme honor de ser elegida como uno de los 5 temas oficiales de los recientes Juegos Olímpicos Londres 2012, junto a composiciones de otros destacados artistas británicos como Muse ("Survival"), Elton John & Pnau ("Good morning to the night"), Dizzee Rascal ("Scream") y The Chemical Brothers ("Theme from velodrome").

Volviendo a lo que será el nuevo disco del cuarteto conformado por James Cook (voz), Matt Cocksedge (guitarra), Richard Boardman (sintetizadores) y Dan Hadley (batería), aún sin título conocido, se sabe que será producido por Ben Alley y Tim Goldsworthy.  Por lo que se puede deducir al oír "Good life", seguramente esta nueva producción de los británicos volverá a sacudir las pistas de baile de todo el mundo, como lo hicieron con "Acolyte", su primer disco.

Disfruten pues de esta buena canción, mientras esperamos lo nuevo de Delphic, de quienes pueden estar al tanto mediante su website oficial o su perfil en Facebook.




domingo, 2 de septiembre de 2012

SORAYA - Quédate (1996)


Con raíces colombianas, pero nacida en Nueva Jersey, Estados Unidos, el 11 de Marzo de 1969, Soraya Raquel Lamilla Cuevas, conocida en el mundo de la música simplemente como Soraya, fue una talentosa compositora, cantante y productora musical, tristemente fallecida el 10 de Mayo de 2006 en Miami, Florida, después de luchar por varios años contra un cáncer de seno, la misma enfermedad que había cobrado la vida de su madre en 1991.

Tras aprender a tocar guitarra y violín durante su infancia, Soraya comenzó a componer sus primeras canciones durante su adolescencia.  Fue recién en 1996, que esta artista publicó su disco debut, "En Esta Noche" (Island Records), que obtuvo múltiples Discos de Platino en alrededor del mundo, debido a que también fue editado en idioma inglés, como "On Nights Like This", al igual que varias de sus siguientes producciones.  Gracias a los sencillos de este disco, la carrera de Soraya tuvo un gran impulso en toda Latinoamérica.  El primer single, "De repente" ("Suddenly") fue #1 en México, Argentina, Chile, Colombia, España y Estados Unidos, mientras que el segundo sencillo, que recordamos hoy, "Quédate" ("Stay awhile"), consiguió lo mismo en México, Chile, Argentina, España y Estados Unidos.

Su segundo disco bilingüe fue "Torre De Marfil / Wall Of Smiles" (Polydor/Mercury Records, 1997), que tuvo como temas de promoción a "Lejos de aquí", "Si te vas", "París, Cali, Milán" y "Torre de marfil", además de incluir, en la versión en inglés, una canción en francés titulada "J'amerais tant", que llegó a encabezar las listas de Francia, Portugal, Suiza, Alemania y Canadá.  Le siguió "Cuerpo Y Alma / I'm Yours" (Universal Music, 2000), su tercer disco, que fue editado el mismo año en que le fue detectado el cáncer de seno, momento desde el cuál la artista comenzó su tratamiento médico y se convirtió en constante activista y colaboradora de instituciones de apoyo a las víctimas de dicha enfermedad.

Sus siguientes producciones musicales fueron "Soraya" (EMI Latin, 2003), también lanzada en versión en inglés, y "El Otro Lado De Mí" (EMI International, 2005).  A lo largo de su carrera artística, y debido a su innegable talento, Soraya colaboró también con otros reconocidos artistas como Ryuichi Sakamoto, Aleks Syntek, John Berry, Myriam Hernández, Ricky Martin y Ha-Ash, antes de su lamentable partida.  Recordémosla pues con una de sus mejores canciones, como debe ser.




jueves, 30 de agosto de 2012

YOSHIDA BROTHERS - Kodo (2004)


El Shamisen es un milenario instrumento tradicional japonés de tres cuerdas que se ejecuta usando un plectro llamado Bachi.  Este instrumento, cuyo nombre se traduce literalmente como "tres cuerdas", es un derivado del Sanxian chino, que fue introducido en el siglo XVI en la isla japonesa de Okinawa, en donde tomó el nombre inicial de Sanshin, para luego modificarse hasta adoptar su nombre y forma actual.

Hoy les presentamos a un dúo de hermanos que en la actualidad son considerados entre los mejores exponentes del estilo musical llamado Tsugaru-Shamisen, una forma específica de interpretar el instrumento que surgió en la Prefectura de Aomori, ubicada en la isla japonesa de Honshū: los Yoshida Brothers.  Esta dupla está integrada por Ryōichirō y Kenichi Yoshida, oriundos de la localidad de Noboribetsu, Hokkaido, quienes iniciaron sus estudios de Shamisen a la temprana edad de 5 años cuando, de la mano del maestro Koka Adachi, se iniciaron primero en la práctica de otro estilo llamado Minyō-Shamisen, para posteriomente, en 1989, pasar a estudiar el Tsugaru-Shamisen con el maestro Takashi Sasaki.

Considerados hoy como estrellas en su país natal, los Yoshida Brothers se han convertido en abanderados de la World Music japonesa, mostrando la música tradicional nipona a nivel internacional.  Su primer disco fue "Yoshida Brothers" (Domo Records, 2003), al que siguieron "Yoshida Brothers II" (2004) y "Yoshida Brothers III" (2006), editados también por Domo Records, su compañía discográfica hasta el día de hoy.  La canción que compartimos hoy, "Kodo", pertenece a su segundo disco, que los consolidó como representantes mundiales de la música tradicional japonesa.  En dicho álbum, se incluyó además una versión más rockera de este tema, llamada "Kodo - Inside the Sun Remix", que fue utilizada por la transnacional Nintendo (en 2006) en su campaña promocional de presentación de la consola de juegos Wii.

La discografía en estudio de los Yoshida Brothers, quienes se mantienen vigentes hasta el día de hoy, se completa con los álbumes "Hishou" (2007), "Prism" (2009), "Ibuki" (2010) y "Move" (2010), aparte del compilatorio "Best Of Yoshida Brothers", que fue lanzado en 2008.  Disfruten a continuación del talento de estos hermanos, a quienes pueden seguir a través de su página web oficial o su perfil en Facebook.




miércoles, 29 de agosto de 2012

THE ESCAPE CLUB - Wild wild west (1988)


"Wild wild west" fue el tema que también dió nombre al segundo disco de los ingleses The Escape Club, que fue publicado por Atlantic Records en 1988, siendo producido por Chris Kimsey.  El grupo, fundado en Londres en 1983, está conformado por Trevor Steel (voz/guitarra), John Holliday (guitarra), John Christoforou (aka Johnnie Christo, bajo) y Milan Zekavica (batería).  Los dos primeros miembros provenían de la banda Mad Shadows, mientras que los dos últimos habían hecho lo propio en Expressos.

La canción en mención llegó a ser #1 del Billboard Hot 100 Chart, haciendo del grupo el único artista británico en tener un #1 en los Estados Unidos sin ingresar a los rankings en Inglaterra.  El primer disco en estudio de The Escape Club fue "White Fields", editado en 1986 por EMI Records, que pasó casi desapercibido.  Su tercera producción discográfica se publicó en 1991 bajo el nombre de "Dollars & Sex", nuevamente por Atlantic Records, con Peter Wolf como productor musical, conjugando influencias del Alternative Rock y del Pop, y teniendo como sencillos a los temas "Call it poison" y "I'll be there", que consiguió escalar hasta la ubicación #8 del Billboard Hot 100 Chart, siendo la segunda canción más exitosa en la historia del grupo.

Debido a la poca trascendencia de su tercer álbum, la banda decidió disolverse en 1992, hasta que en 2009, los fundadores Trevor Steel y John Holliday decidieron volver a juntarse, habiendo lanzado en Febrero de este año una nueva producción de The Escape Club, titulada "Celebrity".

Para terminar, recordaremos también que en 1989, este grupo inglés formó parte del disco "The Wonder Years: Music From The Emmy-Award Winning Show & Its Era", que fue el soundtrack de la entrañable serie de televisión protagonizada, entre 1988 y 1993, por Fred Savage (en el papel de Kevin Arnold) y Danica McKellar (en el rol de Winnie Cooper).  En dicho disco, The Escape Club participó haciendo un cover del tema "Twentieth century fox", originalmente interpretado por los legendarios The Doors en su primer disco de 1967.




martes, 28 de agosto de 2012

PLASTILINA MOSH - Human disco ball (2000)


Considerados como parte del movimiento musical denominado "Avanzada Regia (o Regiomontana)", Plastilina Mosh se fundó en la ciudad de Monterrey, México, en 1996, cuando Jonás González (voz/guitarra/bajo) y Alejandro Rosso (guitarra/bajo/teclados/coros) se conocieron accidentalmente en una tienda.  Ambos tenían ya cierta experiencia previa en la música: González había formado parte de Koervoz de Malta, mientras que Rosso hizo lo propio en la banda Acarnienses.

En 1997, ambos decidieron mudarse a la Ciudad de México, en donde crearon su propio sello discográfico independiente llamado Tómbola! Recordings.  Así, grabaron su primer EP ese año, titulado "Niño Bomba", en el que conjugaban sus diversas influencias musicales: Rap, Pop, Alternative Rock, Trip-Hop, Punk y Electrónica.  Su álbum debut fue "Aquamosh" (EMI México, 1998), que fue grabado en las localidades californianas de Los Angeles y Arcata, con varios productores entre los que se encontraban Sukia, Jason Roberts, Tom Rothrock y Ron Schnapf, contando además con la colaboración de sus paisanos de Café Tacvba.  Este disco fue un rotundo éxito en ventas, siendo reconocido como Disco del Año en México gracias a buenas canciones como "Mr. P. Mosh", "Afroman" y "Monster truck".

El segundo disco de los regiomontanos fue "Juan Manuel", publicado en el año 2000 bajo la producción de Chris Allison, en el que sobresale largamente el tema "Human disco ball", que continuaba con la costumbre de interpretar indistintamente canciones en español e inglés en sus producciones, y cuyo vídeo posteamos en esta ocasión.  Otros temas que les recomendamos escuchar en este disco son "Bassass", "Baretta 1989" y "Supercombo electrónico".

"Hola Chicuelos" (EMI, 2003) y "All U Need Is Mosh" (Nacional Records, 2008), son los álbumes que completan la discografía en estudio de Plastilina Mosh, banda que se completa actualmente con la presencia de Eddie González (guitarra/teclados/coros), Milton Pacheco (bajo/coros) y Natalia Slipak (batería/coros).  Como dato final, mencionaremos que varios de los temas de esta banda han sido incluídos en los vídeojuegos "FIFA 07", "FIFA 09", "True Crime: Streets of L.A." y "Street Skater".